Évocation d’une nature luxuriante et mystérieuse, les céramiques de Safia Hijos prennent place dans des intérieurs à l’instar de plantes exotiques invasives qui se développeraient loin de toute surveillance humaine. Foisonnantes, elles envahissent un coin de mur ou le rebord d’une cheminée et s’imposent au regard par leur volume important et leurs couleurs chatoyantes.
Un temps suspendu, celui pendant lequel on regarde avec étonnement un lieu sans intérêt, sans importance et qui pourtant attire l’attention. Cet instant insignifiant et imprévisible jalonne l’ensemble de l’œuvre de Mariano Angelotti qui tente de capter la lumière, les couleurs, les plantes et autres détails constitutifs de ces moments particuliers. À l’instar de leur sujet, ces tableaux captent mystérieusement le regard qui cherche en vain le pourquoi de cette attention soudainement saisie. Les peintures de Mariano Angelotti invitent le regardeur à s’attarder sur la beauté fugace dont est pourtant rempli le quotidien de chacun. L’inattendu, les détails réservent bien de surprises.
Questionnant notre rapport à l’espace et au temps, les œuvres de Safia Hijos et Mariano Angelotti offrent une vision du monde à l’interstice de nos modes de vie actuels, rapides, bruyants, ne laissant aucune place à la beauté d’un aléa anodin et imparfait. Elles développent une ode à ce hasard insignifiant et contraint qui apparait comme un détail du quotidien au détour d’un recoin d’un mur ou d’une rue et qui offre un temps d’arrêt, un moment d’observation, de quoi s’interroger sur ces présences délaissées et habituellement invisibles.
Dans un tableau fauviste, les couleurs sont vives, exacerbées, mais surtout employées de manière brute, tel quel, sans être mélangées entre elles sur la palette. Cette façon de peindre est non conventionnelle pour l’époque.
Dans un tableau fauviste, les couleurs sont vives, exacerbées, mais surtout employées de manière brute, telles quelles, sans être mélangées entre elles sur la palette. Cette façon de peindre est non conventionnelle pour l’époque.
L’antagonisme jalonne l’ensemble de la production de La double clique qui oscille entre graphisme et design d’objet, technologie et tradition, industrie et artisanat. Une subtile mixité d’approches et techniques confluent dans le travail des deux protagonistes, Thomas Roger et Trystan Zigmann. Leur multidisciplinarité, leur inspiration et leur technique créent un syncrétisme poétique et intriguant.
Puisant dans cette insondable légèreté et fragilité du papier, Benjamin Ottoz explore les possibilités de ce support depuis plusieurs années. Sa démarche consiste à éprouver le papier, à le froisser, à en expérimenter sa plasticité afin d’y élaborer de nouvelles formes.
L’entre-deux, cet espace propice au doute et la réflexion qui rend possible la nuance, non seulement de la pensée mais aussi de la matière. L’entre-deux, cet état que fuit la certitude pour laisser place à l’expérimentation, l’échec et la nouveauté créant un champ des possibles sans limite. L’entre-deux, cette association de deux entités qui n’est, ni l’un, ni l’autre, et en même temps les deux à la fois.
Les strates constituent un ensemble de couches successives. Chacune d’entre elles se distinguent des autres par des caractéristiques et propriétés propres. Utilisé au sens premier en géologie pour l’étude des sols, ce terme est décliné pour désigner tout ensemble constitué de plusieurs niveaux.
Peindre le ciel. Ses nuances de bleu, de blanc, de gris et de rouge qui s’unissent indiciblement en un tout homogène. L’immatériel s’étend sur les toiles de Dorothée Louise Recker. Le centre de son propos ? La lumière, les couleurs et les souvenirs. Les nombreuses couches de peintures étalées à la brosse se confondent en de subtils dégradés de couleurs, souvent solaires, célestes. Les détails disparaissent sous son geste qui cherche à ne capte que l’essentiel, traduire ses émotions face à la nature et aux compositions que le ciel lui offre.
